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William Turner : L’œuvre légendaire du peintre de la lumière anglaise

Aujourd’hui, découvrons l’incroyable impact qu’a eu le peintre et aquafortiste anglais William Turner sur l’Art des XIXᵉ et XXᵉ siècles. Cet artiste a réussi à capturer la magie de la nature grâce à son sens unique de l’esthétique et de la composition. Au fil des années, William Turner est rapidement devenu une figure intemporelle du paysage anglais, célébrée pour sa vision remarquable des tableaux accrocheurs qui retranscrivent la lumière et les couleurs avec une extrême précision.

William Turner : le grand peintre paysagiste anglais

William Turner (1775–1865) est considéré aujourd’hui comme un des plus grands artistes britanniques. Il est surtout connu pour ses magnifiques et innovantes aquarelles, toiles huile et vues paysagères. Sa vision avant-gardiste du monde et de la couleur a inspiré les générations suivantes de peintres.

Turner : qui était-il ?

Né en Angleterre en 1775, William Turner était un jeune homme doué dont le talent artistique remarquable fut très tôt reconnu par son père. À l’âge de 15 ans, il fut admis à la Royal Academy of Arts de Londres. Cette école offrait une formation académique aux jeunes aspirants artistes qui souhaitaient se perfectionner dans leurs techniques et découvrir des moyens plus innovants d’exprimer leur créativité. Turner y est resté quinze ans, jusqu’à sa mort en 1865.

Ses œuvres : les tableaux les plus célèbres

Turner est principalement connu pour ses paysages, mais aussi pour ses aquarelles et huiles sur toile. Ses oeuvres sont remplies de scènes marines, montrant la beauté et la dynamique des forces de la nature : mer, flux et reflux de la marée, tempêtes et vagues, clairs de lune et soleil couchant. Mais il ne se limitait pas à cela: ses scènes pouvaient également être terrestres, comme des châteaux forts et des jardins à la française. Il a également peint beaucoup de portraits, paysages urbains et scènes historiques. Sa palette variée reflétait ses influences variées, incluant celles du grand peintre paysagiste Joseph Mallord William Turner (pas de relation de parenté).

Voyage et influence du voyage dans sa vie et ses œuvres

Beaucoup de ses tableaux ont été inspirés par des voyages en Angleterre, en France et ailleurs en Europe. C’est lors de ces voyages qu’il a découverts des paysages panoramiques qui lui ont offert une source inépuisable d’inspiration. On pense même que certains de ces voyages étaient planifiés pour trouver des sujets pour la peinture. Par exemple, en 1802 il a fait un long voyage à travers la France des Pyrénées à Paris et vers le Rhin, ce qui a influencé ses tableaux les plus connus.

La postérité de Turner

Bien que souvent critiqué durant sa vie, à l’exception de quelques amis, Turner est aujourd’hui considéré comme un grand artiste. Ses toiles sont exposées dans les plus grandes expositions d’art, notamment à la National Gallery et au Tate Britain à Londres. Certaines de ses œuvres sont conservées dans les archives du Royal Academy of Arts à Londres et en France. De nouveaux développements et une meilleure publicité ont fait découvrir sa vision visionnaire, ce qui lui a valu une reconnaissance mondiale.

Conclusion : pourquoi Turner est-il un artiste important ?

William Turner était quelqu’un qui n’était pas seulement capable de capturer la beauté des paysages naturels ; il était aussi un innovateur qui a exploré de nouvelles méthodes et techniques. Il a été le premier à introduire des couleurs claires et lumineuses dans ses peintures. Sa contribution à l’art s’est poursuivie bien après sa mort. Ses œuvres et techniques ont inspiré de nombreux artistes, et ses paysages novateurs ont contribué à la reconnaissance que nous accordons aujourd’hui aux couleurs et formes qui peuvent être trouvées dans la nature.

Découvrir l’œuvre de William Turner, c’est se plonger dans le monde du génie artistique et du voyage. On a tout à gagner à s’immerger dans la vie de ce peintre et dans les paysages qu’il nous propose. Depuis ses premiers pas à Londres, jusqu’à son dernier tableau exposé en France, faut-il encore souligner l’importance des aquarelles et des huiles sur les toiles que Turner laissa derrière lui. Entre couleurs audacieuses et exploration des paysages naturels, grands espaces, mer et tempête ; Aujourd’hui encore sa célébrité est intacte malgré les critiques qu’il a pu subir de son vivant.

Piet Mondrian: L’œuvre Abstraite et le Mouvement De Stijl

Aujourd’hui, face à l’immense talent de Piet Mondrian pour la peinture abstraite et au mouvement art déco qu’il a initié, De Stijl, nous pouvons vraiment comprendre le grand impact qu’il a eu sur la communauté artistique. Son travail unique sert d’inspiration encore aujourd’hui et sa contribution à l’art est incontestable. Dans cet article, nous explorerons le style de Mondrian qui fait référence à une philosophie unique dans sa vision artistique, en particulier le fameux mouvement De Stijl.

Piet Mondrian, le pionnier de l’art abstrait

Piet Mondrian (1872-1944) a révolutionné la scène artistique du début du vingtième siècle en adoptant l’abstraction géométrique. Pompier et astronome amateurs dans sa jeunesse, il devint plus tard un peintre très célèbre pour ses couleurs primaires et ses lignes horizontales et verticales. Aujourd’hui encore, l’œuvre exceptionnelle de ce peintre hollandais continue de fasciner le monde entier.

Piet Mondrian, l’artiste

Mondrian est né en 1872 à Amersfoort aux Pays-Bas. Adolescent intuitif, il se passionnait pour la musique et les maths. À 21 ans, il quitte Amersfoort pour se rendre à Amsterdam où il rejoint un atelier artistique. De là, il étudie la peinture traditionnelle et les mouvements modernes. Quelques années plus tard, Mondrian s’installe à Paris où il commence à artistiquement exprimer sa pensée. Il expérimente alors un style figuratif dans des tableaux qui sont fortement influencés par le post-impressionnisme et le symbolisme.

Il enseigne ensuite à l’École de Nieuwe Kunst (l’École Nouvel Art) à Amsterdam jusqu’en 1912, avant de retourner à Paris pour lancer la célèbre exposition De Stijl avec son ami, Theo van Doesburg. En 1915, il termine son tout premier grand tableau abstrait intitulé « Composition No. I », déclinant la figure géométrique qu’il considère comme un élément essentiel de sa nouvelle esthétique.

Mondrian s’est ensuite installé à New York en 1940, où il a complété plusieurs grandes peintures abstraites complexes. Sa plus célèbre œuvre est le « Broadway Boogie Woogie », créée en 1942 et actuellement exposée au MoMA de New York. En raison du chaos mondial causé par la Seconde Guerre mondiale, Mondrian ne sera jamais revenu dans son pays natal avant de décéder à Manhattan en 1944.

L’esthétique de Mondrian

Dans ses tableaux, Mondrian se concentre sur la pure abstraction géométrique et les couleurs primaires rouges, bleu et jaune qui forment un espace visuel dynamique. Les lignes droites horizontales et verticales qu’il utilise font écho à des concepts tels que les diagrammes et les schémas mathématiques. Dans le style De Stijl dont il était un membre fondateur, les artistes ont adopté une esthétique abstraite en mettant l’accent sur les lignes horizontales, les couleurs primaires et le symbolisme. La forme et la composition sont des concepts importants qui sont au cœur de la philosophie artistique de Mondrian.

Inspiré par sa fascination pour les mouvements architecturaux modernes et la théorie musicale, Mondrian a réalisé un nombre impressionnant d’œuvres dans son étude de la chambre rouge à Paris. Ces peintures abstraites sont caractérisées par des lignes horizontales aux couleurs primaires qui créent un espace visuel rempli de dynamisme et de joie. Une fois arrivé à New York, il a commencé à exprimer sa vision du cosmos à travers des compositions très structurées où siègent des paysages urbains.

Mondrian

L’impact de Mondrian aujourd’hui

L’influence artistique de Mondrian s’étend bien au-delà des limites de l’histoire de l’art. Une collection importante de ses œuvres est actuellement conservée à la Gemeentemuseum Den Haag, en Hollande. Ses tableaux continuent d’être exposés à travers le monde, y compris aux Galeries Nationales du Grand Palais à Paris, à la Kunsthalle Hamburg et au MoMA de New York.

Sa renommée internationale continue d’inspirer les artistes contemporains à créer des œuvres abstraites encore plus complexes. Sa composition «Hollywood Boogie Woogie», notamment, a servi d’inspiration pour des artistes tels que Damien Hirst et Anselm Kiefer et a été étudiée pour sa contribution innovante à l’abstraction géométrique.

Mondrian restera un modèle permettant aux nouvelles générations d’artistes de s’affranchir des frontières géographiques et visuelles. Sa contribution à l’expression artistique et son impact sur la scène mondiale sont indiscutables et continueront de nous inspirer et d’impacter l’art abstrait.

Après avoir découvert l’œuvre abstraite de Piet Mondrian et le mouvement De Stijl qu’il a initié, On peut dire que son influence sur l’art moderne est indéniable. Entre New York, Paris, Hollywood et Amsterdam, ses toiles sont exposées dans les plus grands musées du monde. Aujourd’hui encore, face à la profusion d’images qui nous environnent, il nous rappelle la puissance des couleurs primaires et lignes verticales et horizontales. Faut-il en conclure que son héritage vivra pour toujours ? C’est ce que démontrent ses héritiers contemporains comme Robert Delaunay ou Gerrit Rietveld. Alors quelle sera votre prochaine exposition Mondrian ?

Johannes Itten et le Cercle Chromatique : Retour sur son Oeuvre et sa Théorie de la Couleur

Aujourd’hui, nous allons parler d’un grand maître de l’art moderne, le Suisse Johannes Itten et de son célèbre Cercle Chromatique. Sa contribution est appréciée par les professionnels du monde entier depuis plus de cent ans et elle fait partie intégrante des cours de couleur pour tous les étudiants en art. Nous allons examiner aujourd’hui l’impact que sa théorie sur la couleur a eu sur la peinture moderne et à quoi il faut le devoir.

Johannes Itten et le cercle chromatique

Johannes Itten Kleurenleer 1921

Johannes Itten était un artiste suisse, peintre, architecte et professeur. Il était célèbre pour ses recherches sur les couleurs et l’art chromatique. Il a développé une théorie de couleur à base de synthèse qui est devenue connue sous le nom de Cercle Chromatique d’Itten.

Cercle chromatique d’Itten

Le Cercle Chromatique d’Itten est une représentation visuelle des mélanges de couleurs primaires : rouge, jaune et bleu. La base comprend également des couleurs supplémentaires telles que le vert, le violet, l’orange et le noir. Les nuances créées par la superposition des couleurs servaient à illustrer la théorie chromatique sous-jacente.

L’enseignement de l’art chromatique à l’Ecole Bauhaus

Johannes Itten enseigna les concepts de base de sa théorie chromatique à l’Ecole Bauhaus. Son enseignement et ses recherches guidèrent le mouvement artistique Bauhaus et ses élèves. Ses cours portaient sur la couleur, la texture, la forme et l’esthétique. La philosophie d’Itten était que pour servir un but artistique, chaque caractéristique de l’œuvre devait être examinée individuellement.

La forme et la couleur dans le travail d’Itten

Le travail pictural d’Itten reflétait sa compréhension du contraste complémentaire en chromatologie. Il utilisait des couleurs très vives pour mettre en avant son travail intuitif. Son style unique a influencé des artistes tels que Paul Klee. En outre, Johannes Itten a créé des textiles et des peintures en coton qu’il a présentés lors de ses expositions.

La théorie du contraste complémentaire d’Itten

Ici, le cercle chromatique est utilisé pour illustrer la théorie du contraste complémentaire de Johannes Itten. Selon cette théorie, lorsque deux couleurs sont placées à proximité les unes des autres, leur contraste est plus net. Dans ce cadre, chaque couleur sur le cercle chromatique est complémentaire à la suivante.

Les héritiers de la théorie d’Itten sur l’art chromatique

Johannes Itten nous a laissés un riche héritage étendu au-delà du Cercle Chromatique ; y compris son livre Die Kunst der Farbe (L’Art de la Couleur). Son influence a été sentie à travers le monde dans le travail des peintres et artistes contemporains. Les principes qu’il a développés nous donnent toujours une base solide pour comprendre comment couleurs et formes peuvent être combinées pour créer des œuvres d’art intéressantes.

Découvrir l’œuvre et la théorie artistique de Johannes Itten présente un incroyable intérêt pour le monde de l’art contemporain. On constate qu’avec son livre “The Art of Color” et son cercle chromatique, Johannes Itten a inspiré des générations d’artistes à travers le monde. Depuis lors, son influence s’est étendue à plusieurs écoles d’art telles que l’Academy of Fine Arts à Munich et l’Ecole Bauhaus à Weimar. Faut-il dire que son œuvre sur l’art chromatique est une base indispensable pour comprendre les notions d’harmonie et de contraste complémentaire ? Entre les peintures, les textiles, les cours et les livres qu’il a consacrés à la couleur, sa théorie offre encore une source d’inspiration inépuisable aux créateurs modernes.

Vassily Kandinsky : le pionnier de l’art abstrait et sa vision de la couleur et des formes

Avec Vassily Kandinsky, l’art abstrait devint une nouvelle forme d’expression artistique, qui renît dans une ère moderne marquée par la technologie et les bouleversements politiques. On découvre alors la vision unique de Kandinsky pour l’utilisation des couleurs et des formes comme moyen pour révéler ce qu’il voyait à travers son art. Dans cet article, nous explorerons le style universellement reconnu du grand maître Kandinsky et sa contribution à l’abstraction contemporaine.

Vassily Kandinsky, une référence absolue de l’art abstrait

Vassily Kandinsky est sans aucun doute un des plus grands artistes abstraits de tous les temps. Né en Russie en 1866 et mort à Neuilly-sur-Seine en 1944, il a passé la majeure partie de sa vie à Munich et Berlin. Figure centrale du Bauhaus, il est considéré comme le fondateur de l’art abstrait. Il est célèbre pour ses toiles qui explorent le monde des formes et des couleurs libres, ce qui a inspiré un grand nombre d’artistes du XXIe siècle.

Kandinsky était un peintre génial dont les œuvres ont transcendé les limites traditionnelles entre la forme et la couleur. Sa carrière a commencé à Moscou, où il est né, et s’est développée à Munich, où il a été professeur au Bauhaus. Il a ensuite déménagé à Berlin où il s’est associé au collectif d’artistes «Der Blaue Reiter» (Le Cavalier Bleu), un mouvement important qui a influencé tous les arts visuels, de la musique à l’architecture.

Présentation de Vassily Kandinsky

Vassily Kandinsky est considéré comme l’un des plus grands artistes de tous les temps et son influence sur l’art abstrait moderne a été immense. Son travail a joué un rôle essentiel dans le développement du cubisme et du futurisme en peinture. Il était convaincu que la couleur pouvait être utilisée pour exprimer des émotions humaines, et que les formes pouvaient communiquer des idées ou des significations spirituelles profondes. Il a exploré la possibilité de créer des couleurs et des structures à la fois abstraites et expressives. Son œuvre a eu une influence considérable sur le monde de l’art abstrait et ses écrits sont considérés comme fondamentaux pour les artistes modernes.

L’œuvre de Vassily Kandinsky

L’œuvre principale de Kandinsky, dans laquelle il a réalisé sa vraie nature d’artiste, est «Composition VII», un travail grandiose achevé en 1913. La composition est une exploration complexe combinant les couleurs et les formes. Il y incorpore des formes géométriques variées qui s’agencent harmonieusement pour former un ordonnancement dynamique et producteur d’émotions. Le tableau est rempli de contrastes entre le noir et le blanc, entre le jaune et le bleu, entre le cercle et la ligne.

Il a également produit des œuvres plus petites et plus intimes, comme «Cavalier Bleu» (1911) et «Intérieur jaune et rouge» (1922). Ces deux compositions réunissent les principaux éléments de sa philosophie artistique : le point, la ligne, le plan et les couleurs intenses. Il a créé des tableaux aux caractères très expressifs qui stimulent une vaste palette d’interprétations, grâce à l’utilisation variée des formes géométriques et du mouvement donné par les couleurs.

La vie de Vassily Kandinsky

Vassily Kandinsky est né en 1866 à Moscou, en Russie. Son père était un riche fonctionnaire du gouvernement russe et sa mère était musicienne professionnelle. Bien qu’il fut à l’origine inscrit aux classes des sciences et des sciences politiques, Kandinsky s’intéressa bientôt à la peinture et décida de se consacrer entièrement à l’art. Avant d’entamer sa carrière d’artiste, Kandinsky a étudié l’histoire de l’art et les mouvements symboliques à Moscou puis à Munich. En 1896, il s’est rendu en Allemagne pour poursuivre son apprentissage de la peinture à l’Académie des Beaux-Arts de Munich.

En 1900, il rencontra Gabriele Münter qui devint sa compagne et partenaire artistique. En 1909, alors qu’il présentait son exposition personnelle à la Galerie Thannhauser de Munich, Kandinsky fut invité à rejoindre le groupe Der Blaue Reiter (Le Cavalier Bleu), un collectif formé par les artistes Franz Marc et August Macke. Pendant cette période, il a également été professeur au Bauhaus de Weimar.

Kandinsky et Münter vécurent ensemble à Munich jusqu’en 1914, puis s’installèrent à Berlin où ils poursuivirent leur travail artistique. Après la Seconde Guerre mondiale, Kandinsky déménagea en France et s’installe dans un petit village non loin de Paris. Il a exposé régulièrement en Europe et aux États-Unis jusqu’à sa mort en 1944. En 1971, une exposition posthume importante de son œuvre a été montée au Musée national d’Art moderne – Centre Georges Pompidou à Paris.

L’influence de Vassily Kandinsky sur l’art contemporain

L’œuvre de Kandinsky a eu une influence considérable sur tous les genres d’art abstrait modernes, notamment le cubisme et le futurisme. Il a révolutionné la notion de couleur et de forme dans l’art, montrant que les couleurs peuvent être utilisées pour exprimer des émotions et que les formes peuvent communiquer des idées ou des significations spirituelles. Ses compositions basées sur le mouvement, la texture et le contraste ont influencé des artistes à travers le monde et inspirent encore aujourd’hui nombre d’artistes modernes. Son œuvre est une part essentielle de l’histoire de l’art moderne et sert d’inspiration à ceux qui continuent à explorer de nouvelles façons d’utiliser la couleur et la forme pour créer quelque chose d’unique.

Conclusion

Vassily Kandinsky est un artiste abstrait du XXe siècle dont le travail a eu une influence considérable sur les générations d’artistes après lui. Sa vision des couleurs et des formes a ouvert la voie pour un nouvel âge de l’art abstrait, qui continue à défier les normes et à explorer le monde des émotions humaines. Son style unique et audacieux a influencé plusieurs artistes modernes tout en inspirant de nouvelles façons d’utiliser couleur et forme pour créer quelque chose qui soit à la fois intime et expressif.

Aujourd’hui, face à l’œuvre de Vassily Kandinsky, nous comprenons mieux l’importance du rôle qu’a joué ce génie dans la naissance de l’abstraction et dans son influence sur les artistes contemporains. La période où Kandinsky a produit le plus grand nombre de toiles est considérée comme une des plus importantes transitions artistiques et culturelles de l’humanité. Avec sa vision unique de la couleur et des formes, il s’est révélé comme un maître incontestable pour tous les peintres d’avant-garde qui ont suivi. Si nous voulons découvrir l’univers abstrait créatif du peintre russe, nous devons étudier minutieusement ses compositions colorées et géométriques pour en appréhender les intentions profondes.

Le style rococo

L’émergence d’un nouveau genre

1700 : voilà la décennie qui a connu la naissance du style rococo. On aime le rapprocher du règne de Louis XV, mais dès le XVIIIe siècle, il franchit les frontières et part à la conquête de l’Europe des cours. C’est un style particulier qui séduit de nombreux artistes : le rococo déloge quelque peu le baroque dont il s’inspire néanmoins. Sous ses airs élégants, le rococo met l’accent sur les ornements et les décors aussi frivoles que charmants.

Vous avez dit Rococo ?

Drôle de terme pour nommer un style artistique. Ce nom prête jadis à sourire et à juste titre : il se moque un tantinet du décor rocaille, des coquilles et pierres naturelles, du pompeux qu’il expose. Petite connotation péjorative donc au début du XIXe siècle : le rococo, en somme c’est vieillot, démodé.

Mais ça, c’était avant ! Le style rococo fait son petit bout de chemin pour arriver à notre époque en laissant sa mauvaise réputation derrière lui. Et bien plus encore ! Il inspire les artistes dans tous les domaines. Le voilà sur le devant de la scène : on le retrouve dans tous les métiers artistiques, en architecture, sur des sculptures et au cœur des peintures. Mais son petit préféré : c’est l’art décoratif !

Thème et sujets rococo

Le baroque ayant assis sa notoriété, le style rococo s’inspire des sujets qui font un tabac à l’époque. Les artistes reprennent donc des thèmes joliment traités durant la période faste du baroque, mais y apposent leur petite touche personnelle : c’est plus badin, plus guilleret. Le petit côté fort sérieux du baroque s’estompe. Les thématiques reprises, mythologiques ou symboliques par exemple, sont plus légères. Les artistes s’engaillardissent et peignent des nus féminins sans trop de retenue. On aime se lancer dans la réalisation de tableaux évoquant l’amour, sur fond de paysage emplis de fantaisie. On se lâche, on s’évade vers d’autres représentations : les thèmes champêtres où évoluent bergers et bergères remplacent les habituelles illustrations de grandes figures aristocratiques. Et lorsque le sujet reste quand bien même sombre ou sévère, les tableaux restent toujours gorgés de virtuosité, aux ornements prononcés utilisant les fameux motifs de coquille, le goût rocaille, les arabesques.

Le rococo en Europe

Évidemment, selon les pays (et les artistes), le style rococo s’exprime différemment dans les œuvres.

  • En France, les peintres dominants dans l’art du rococo, ce sont bien Jean-Antoine Watteau, Jean-Honoré Fragonard ou François Boucher. Les œuvres de Watteau propulsent le style rococo largement sur le devant de la scène. L’engouement pour ce nouveau style rallye de futurs adeptes, qui le produisent ensuite avec une aisance étonnante. Le rococo est alors un art de boudoir. L’esprit et l’élégance flirtent. La virtuosité et l’érotisme badinent. Les artistes s’approprient un même thème et le reproduisent (par exemple tel que l’a réalisé Boucher avec ses nymphes) en tableau, en tapisserie ou sur des porcelaines.
  • En Allemagne et en Europe centrale, le contexte est bien différent. L’allemagne, éprouvée, sort tout juste de la Guerre de Trente Ans (1618-1648). La reconstruction débute : de nouveaux palais fleurissent de toutes parts. Dans le sud, empreint de catholicisme, ce sont davantage des églises, nouvellement bâties, qui adoptent le style rococo. De somptueux décors de stuc s’entremêlent avec des fresques raffinées, mis en lumière par les frères Zimmermann (Johann Baptist et Dominikus). En Europe centrale, l’artiste peintre rococo par excellence reste Franz Anton Maulbertsch, qui décore de ses imposantes fresques des monuments de renom. 
  • L’Italie accueille le rococo dans la période du Grand Tour. Le Grand Tour est un périple obligatoire, organisé pour aider les jeunes issus de milieux aristocratiques à peaufiner leur éducation. Les artistes, face à ce public spécifique, adaptent leurs œuvres selon les demandes formulées. Les peintures de ruines antiques sont réalisées avec une touche personnelle, propre à chaque artiste. Des noms ? Voyez les chefs-d’œuvres de Piranèse ou de Giovanni Paolo Panini. Pompeo Batoni quant à lui excelle dans l’art du portrait. Mais l’Italie a elle aussi un peintre dont le nom résonne dans toutes les bouches : Giambattista Tiepolo, célèbre pour ses fresques qui ornementent les plus beaux monuments de manière plus large. Ses tableaux de chevalet inondent ainsi des villas jusqu’aux églises. 
  • La Grande-Bretagne, elle, a connu le rococo avec Hubert Gravelot qui rejoint Londres en 1732. Cet artiste français, à la fois graveur et dessinateur, partage sa technique dans l’art du rococo avec ses confrères et amis anglais Francis Hayman et William Hogarth, et accueille Thomas Gainsborough au sein de son atelier.

Bien que le rococo n’ait pas connu un rayonnement aussi étendu que dans d’autres pays d’Europe, ce nouveau style se popularise dans les tableaux de portraits, en particulier avec les conversation pieces, tant appréciés.

Découvrir quelques œuvres du style rococo

#Watteau, Pèlerinage à l’île de Cythère

#Boucher, Nu couché (mademoiselle O’ Murphy)

#Gainsborough, Mr et Mrs Andrews

#Maulbertsch, L’apothéose de saint Jacques le Majeur

#Piranèse, Galerie en ruine de la villa Adriana

#Fragonard, Les Hasards heureux de l’escarpolette

Peinture abstraite : top 5 des artistes pionniers.

Le terme abstrait s’impose à vous en opposition au mot «concret» ? Vous avez raison ! Cependant, dans le domaine de la peinture, ce mot «concret» se transforme en une autre appellation : on le retrouve sous le nom de «figuratif». 

L’abstrait… un terme parfois difficile à définir et tout autant difficile à interpréter lorsqu’il s’agit de peinture. Pourtant le concept est simple : cette pratique artistique a émergé peu à peu dans le monde de l’art pour devenir une véritable passion pour de nombreux artistes, pour le plaisir des yeux et des émotions du peintre et du spectateur !

L’art figuratif est un style artistique qui représente des éléments du réel (objets, nature, personnages ou scènes de la vie quotidienne). 

La peinture abstraite quant à elle fera appel à vos ressentis pour en apprécier toute la subtilité : pas de natures mortes ou de portraits à contempler. Ce sont des formes et de multiples couleurs qui s’enchevêtrent au gré de l’imagination et de l’inspiration de l’artiste. Faites appel à tous vos sens et laissez-vous envahir par les différents effets représentés : bienvenue dans l’art du lâcher prise

 L’abstrait : un mouvement affranchi qui fait sa révolution

C’est grâce aux pinceaux audacieux de quelques peintres assoiffés de renouveau artistique que la peinture abstraite apparaît somme toute assez récemment. Au début du XXe siècle, les artistes s’émancipent dans leurs techniques de peinture : finies les représentations habituelles du réel et du palpable, ils laissent exploser leurs propres émotions au travers de couleurs, palettes chromatiques et formes variées. L’inspiration prend le dessus sur la représentation picturale de sujets du monde de la réalité. 

Dater clairement les premières peintures abstraites reste un peu flou. Les artistes-peintres s’essayent à la représentation non figurative, chacun à sa manière en écoutant ses émotions personnelles et uniques. Diverses créations d’un genre nouveau voient ainsi le jour : peintures de style lyrique ou aux formes géométriques, les artistes se libèrent des codes habituels et font appel à tous leurs sens pour créer un mouvement nouveau. 

Cependant, une année revient régulièrement pour dater la première œuvre abstraite avec un nom devenu célèbre dans le monde de l’art non-figuratif : notez donc 1910. L’avant-gardiste Vassily Kandinsky présente alors une peinture d’un genre encore méconnu : à l’aquarelle, il pose sur papier des couleurs vibrantes aux formes variées, trace des lignes noires sans mimer des thèmes du réel. On n’y trouve plus ni personnages, ni paysages. Pas d’objets reconnaissables non plus. 

L’artiste a laissé parler ses émotions. 

Le spectateur appréciera ainsi cette œuvre “sans titre” à sa façon, avec ses propres ressentis, sa sensibilité personnelle et son regard unique.

Cinq grands noms de la peinture abstraite à connaître 

Kandinsky (1966-1944), père fondateur de l’art abstrait : le lyrique

Animé par l’irrésistible envie de transmettre des émotions intenses et informelles plutôt que de représenter le réel figuratif, Kandinsky a misé dans ses créations sur l’intensité et la puissance des couleurs sur la sensibilité humaine. Libéré des contraintes et laissant libre cours à son imagination, l’artiste russe crée des masses aux couleurs puissantes rehaussées de lignes tracées qui invitent au voyage spirituel et émotionnel.  

Piet Mondrian (192-1944) : vers un art géométrique

Peintre néerlandais, Piet Mondrian a lui-aussi apporté sa pierre à l’édifice de ce style artistique nouveau avec pour sa part des formes géométriques aux bords droits et aux lignes parfaitement continues. Sa grande passion est de transcrire son art sur fond blanc en utilisant les couleurs primaires, organisées en carrés délimités par des lignes noires qu’il trace sans règle. Il vient alors d’inventer un art unique méconnu : le néoplasticisme est né. Sa conception sera reprise par les grands créateurs de mode : Yves Saint Laurent reprendra ces formes picturales pour élaborer une collection qui subjuguera la mode vestimentaire.

Kasimir Malevitch (1879-1935) ou le suprématisme dans l’art

L’art contemporain a connu ses premiers tableaux monochromes avec ce peintre qui simplifie toujours plus l’expression artistique moderne. 

Carré noir, Cercle noir ou Croix noire : voilà trois formes scientifiques qu’il inclue généreusement dans ses tableaux picturaux. Le suprématisme est là. La couleur simple et la forme basique sont utilisées pour leurs valeurs propres, sans souci de représentation figurative ou d’un quelconque lien avec la réalité extérieure. Ses monochromes en ont inspiré plus d’un.

Frantisek Kupka (1871-1957) : du sensoriel en peinture 

Comptant parmi les pionniers de l’art abstrait, cet artiste tchèque libre et indépendant a manié les couleurs douces aux formes géométriques pour transcrire un effet de mouvement et de perspective en jouant sur les teintes, les ombres et les effets de flou. Il n’a jamais aimé être catégorisé comme peintre abstrait : la peinture en forme et en couleur est pour lui ce qu’il y a de plus concret !

Robert Delaunay : monochrome et couleurs chaudes

Le cubisme orphique : un terme inventé par Guillaume Apollinaire en 1912 spécialement conçu pour décrire les œuvres de Delaunay. Entre cubisme et abstraction, l’artiste Delaunay assortit ses créations de couleurs chatoyantes à la luminosité sans pareille. Peintre français avant-gardiste du XXe siècle, c’est avec son épouse Sonia qu’il crée ce mouvement novateur : des cercles, des ambiances singulières et du rythme articulés ensemble pour un rendu unique qui fait glisser le cubisme vers l’art de peindre l’abstraction.  

En bref

Loin d’être une manière de peindre anarchique et dénuée de sens, l’art abstrait, bien que guidé par les émotions du peintre, répond à des codes qui lui sont devenus propres. Comme vu au travers des travaux des pionniers de l’art non-figuratif, certains artistes ont eu des préférences artistiques pour exprimer leur vision du monde et transmettre de l’émotion : formes mathématiques, cercle ou croix simplistes, couleurs primaires ou variations des teintes, l’art abstrait est géométrique ou lyrique, mais il laisse avant tout une liberté totale. 

Celle d’apprécier une œuvre non figurative/abstraite en lâchant prise et en laissant ses émotions interpréter chaque coup de pinceau.

Comment débuter en peinture abstraite ?

Vous êtes impressionné par cette manière de peindre ? Vous souhaitez vous-aussi vous exprimer librement et vous épanouir dans l’art abstrait ?

Lâchez enfin prise et osez peindre tout ce qui émerge en vous et faites vibrer le bout de votre pinceau !

Déposez vous-aussi vos émotions et votre sensibilité sur toile en découvrant les premiers pas vers l’art de la peinture abstraite : libérez-vous et apprenez facilement comment peindre, de chez vous avec un livre numérique… à dévorer.

Évidemment, sans modération !

Peinture acrylique, huile, aquarelle ou gouache ? Tout savoir en un coup d’œil !

Vous aimez peindre sans trop savoir quel type de peinture correspondrait le mieux à vos envies ? Ou vous souhaitez pouvoir reconnaître en un clin d’œil le type de peinture utilisée sur une toile ? On vous dit tout en détail !

La technique de la peinture à l’huile 

Matisse, Van Gogh, Rembrandt ou Monet… Voilà des artistes pionniers qui vous aident à apprécier la peinture à l’huile. Au XIVe siècle, époque faste de la Renaissance, les peintres en font un usage illimité. La brillance de son rendu et sa texture onctueuse séduisent les artistes comme les acquéreurs.


Le blanc et le jaune d’œuf initialement utilisés en émulsion comme base de peinture durant le Moyen Âge ne suffisaient plus à satisfaire pleinement les peintres de grands noms. Aussi, cette «tempera» s’est faite doubler en douce par de nombreux artistes qui secrètement réalisaient des mélanges d’huile et de pigments de couleurs.

Van Eyck en turban

Van Eyck : un nom qui revient dans les bouches lorsqu’on cherche à connaître l’origine exacte de la naissance de la peinture à l’huile. Ces frères en sont-ils réellement les créateurs ? Ils ont en tout largement contribué au perfectionnement de son élaboration, tant au niveau de sa texture que de la richesse des couleurs. Ajout d’huile de noix et de lin, un peu d’essence de térébenthine… de quoi obtenir une mixture éclatante de couleur et imperméable, pour un usage illimité !

Utilisée par les grands peintres flamands du moment, cette nouvelle peinture à l’huile devient un matériau noble qui enrichit sans conteste l’univers artistique.

Aujourd’hui, l’industrie offre une palette infinie de couleurs et de possibilités techniques : empâtement ou glacis, application au pinceau ou au couteau… La peinture à l’huile sèche lentement et permet un travail et des retouches sur le long terme. L’ensemble n’est réellement sec qu’après plusieurs semaines, lorsque l’air a fini de durcir les mélanges d’huiles. 

Elle se mélange «mouillé sur mouillé», permet la réalisation de dégradés subtils et de merveilleux fondus naturels.

L’acrylique : une peinture aux milles possibilités techniques

Andy Warhol, ça vous dit quelque chose ? Cet artiste pop américain a su utiliser cette peinture acrylique élaborée par un chimiste comme nouveau médium aux possibilités largement supérieures à la peinture à l’huile. L’Europe se l’approprie à son tour dans les années 60, ramenée par l’artiste peintre Pierre Alechinsky de retour de New York. Utilisée au départ comme peinture pour l’industrie automobile, le bâtiment ou la décoration.

Andy Wahrol / Marilyn à la peinture acrylique
“Marilyn” par Andy Warhol

La composition de la peinture acrylique ? Finalement assez similaire à sa consœur : de la résine et de l’eau pour former le liant, auxquelles se fondent des pigments colorés.

Son temps de séchage très rapide est parfaitement adapté à la pratique de la peinture abstraite par exemple.

Par contre, la peinture acrylique se démarque par sa polyvalence dans son utilisation : les possibilités artistiques sont nombreuses et variées. Ajouter un agent de charge pour la densifier ou l’opacifier, l’appliquer sur divers supports, mélanger les couleurs à l’infini, réaliser des collages (cartons, plumes, sable etc.), reliefs et empâtements, travail au pinceau, au spalter ou au couteau. Indélébile, la peinture acrylique est remarquable pour sa facilité d’utilisation.

Peinture par Anthony Chambaud
Peinture acrylique par Anthony Chambaud

Une simple légère dilution à l’eau et elle est prête pour créer des œuvres aussi surprenantes qu’uniques ! À noter son avantage de séchage rapide, qui permet de superposer plusieurs couches de peintures mais rend les retouches difficiles.

Ultra stable à la lumière, la toile réalisée en peinture acrylique ne perd au fil du temps, aucune fraîcheur dans l’intensité de ses couleurs.

Et l’aquarelle ? Qu’en penser ?

La Renaissance, toujours la Renaissance ! cette belle période où les arts et notamment la peinture connaissent leur apogée . L’aquarelle fait son arrivée avec la délicatesse de ses pigments en suspension dans l’eau, sa transparence et la douceur de ses magnifiques couleurs lumineuses ! Sa particularité ? Non couvrante et légère, elle laisse apparaître son support, préférentiellement du papier, mais aussi du papyrus, parchemin et soie !

Représentations de paysages ou motifs botaniques ou faune sont les principaux premiers sujets peints à l’aquarelle par qu’Albrecht Dürer (1471-1528).

Elle charme ensuite largement de nombreux artistes peintres comme Van Dick, Marie Laurencin, JMW Turner, Winslow Homer pour la beauté de ses couleurs superposables et leur réversibilité. Une goutte d’eau sur le trait d’aquarelle sec et il est retravaillable, ce qui en fait tout autant sa grande fragilité. En effet, l’eau ajoutée s’évapore et laisse ainsi la lumière traverser la transparence des couleurs aquarellées. Les couches fines sur un papier de qualité donneront donc un rendu visuel extrêmement lumineux et éclatant.

Un papier d’une blancheur parfaite, assorti d’une épaisseur et d’un grain qui retiendra les pigments sans souffrir de l’humidité de l’eau est essentiel.

Peindre à l’aquarelle sur d’autres supports reste une autre possibilité à condition de parfaitement préparer la toile, le plastique, le carton etc. avec un enduit absorbant l’eau. 

À vos pinceaux : essayer, c’est aussi l’adopter !

Petit zoom sur la gouache : la peinture opaque

Médium d’apparition plus récent, la peinture à la gouache s’utilise généreusement au cours du XXe siècle et ne séduit étonnamment que peu d’artistes peintres. Peinture à l’eau au séchage ultra rapide, la gouache est très facile d’utilisation et fort intéressante pour son application sur de nombreux supports. Elle recouvre de manière très opaque et sèche rapidement.  

Détrempe à base d’eau, la gouache est de texture assez dense et pâteuse qui donnera un rendu mat. Sa particularité à sécher rapidement ne permet pas un travail des teintes et un mélange de couleur encore humides sur la toile : pour obtenir un éclaircissement des tons, il faudra jouer avec les blancs, et user d’un diluant pour profiter pleinement de ses caractéristiques. Par contre, elle se retouche facilement : délébile, vous pouvez la retravailler une fois sèche.

Les tons purs et francs que la gouache propose ont séduit dès le XVe siècle : grande nouveauté sur le marché de l’art florentin, la gouache apporte de la lumière et des couleurs aux teintes généreuses et flamboyantes aux dessins. Le XVIIIe la propulse comme peinture à part entière : jetez un coup d’œil par exemple à Francesco RONCALLI, Le songe de Jeanne d’Aza, mère de Saint Dominique, ou le siècle suivant aux œuvres de Dominique Louis PAPETY (1815-1849) avec sa Femme à la fontaine (1832).

Francesco RONCALLI, Le songe de Jeanne d’Aza

La technique de peinture à la gouache n’a pas connu autant de succès que ses consœurs; cependant, elle a toujours été hautement appréciée dans la sphère des dessins et esquisses d’études, d’architecture et de tapisserie.

Presse, expositions & interviews

Expositions permanentes

A partir de octobre 2023 : Galerie l’Albatros à Romans-sur-Isère

Expositions

2024 Invité d’honneur Biennale Art et passion à Corbelin (38)
2024 Invité d’honneur Saint Marcel s’expose à Saint-Marcel-les-Valence
2024 Espace Culturel Leclerc (26)
2023 L’albatros Romans-sur-Isère, France
2023 Ensemble Charles Bringuier à Chatuzange le goubet
2023 l’Esprit d’Havana Romans-sur-Isère, France
2022 Platinium Center Romans-sur-Isère, France
2020 Le XIII à Chanos-Curson
2019 Picturales Bourg de péage, France
2019 Exposition personnelle au café des Arts Romans-sur-Isère, France
2019 Fascinant week-end Vignobles & découvertes Cornas, France
2017 Place des arts Valence, France
2017 Picturales Bourg de péage, France
2016 Garage Renault Ardèche, France
2016 CGPME Valence, France
2015 Marché nocturne grignan Grignan, France
2015 Exposition pour le “Quai des Artistes” Saint Valier, France
2014 Exposition Galerie Hôtel de Clérieu Romans-sur-isere, France
2014 Exposition Domaine Lionnet CORNAS, France
2014 Exposition temporaire au sein du Grand Palais de la Foire de Romans Romans-sur-isere, France
2013 Exposition Mademoiselle L Romans-sur-isere, France
2013 Participation «Octobre Rose» Romans-sur-isere, France
2013 Exposition Porte Monumentale de Chabeuil Chabeuil, France

2024 Dauphiné (18/01/2024)

2024 Impartial (18/01/2024)

2023 Impartial (12/10/2023)

2023 Dauphiné (10/2023)

2023 Pratique des arts (Numéro 171)

2022 Radio France Bleu pour l’émission le Grand invité

Anthony Chambaud

Rediffusion :

2020 Interview sur Radio Mega pour Singuriel

Interview par Laura Nathalie

Laura est une Youtubeuse, artiste & entrepreneur. Un moment de pur plaisir de plus d’une heure, on échange sur mon parcours, mes débuts en tant qu’artiste, ma passion pour la peinture et l’entrepreneuriat, mon chemin sur Youtube, mon introversion, mon processus créatif. 

Merci Laura 🙂

Participation RTL avec Flavie Flament

J’ai participé à l’émission on a tellement de choses à dire sur RTL présenté par Flavie Flament. Le sujet : La timidité, j’explique comment je combat tous les jours la timidité via différents challenges.

L’amour est dans le pré (édition 2017)

Un de mes tableaux présent dans l’émission l’amour est dans le pré édition 2017.

2020 Air Le Mag Novembre

Regard Magazine 2020

2019 Exposition Domaine Lionnet Journal Local Ardèche, France

2019 Dauphiné Libéré

2018 Article dans le magazine Pratique des Arts n°143 France

2016 Dauphiné Libéré

2016 Dauphiné Libéré

2014 Impartial

2014 Dauphiné Libéré

2013 Dauphiné Libéré

Cours

Si vous souhaitez apprendre la peinture abstraite & la peinture acrylique. Je propose différents supports pédagogiques sur lesquels je partage mon expérience d’artiste peintre professionnel.

Les articles et vidéos

J’ai créé un blog dédié à la pratique de la peinture acrylique. J’y aborde différents sujets sur la thématique : Apprendre la peinture acrylique, démonstrations de peinture abstraite, psychologie et estime de soi, marketing, organisation & communication.

Les cours de peinture

Je propose également des cours de peinture à télécharger format Ebook (PDF) et vidéo dans lesquels je vous apprends toutes mes méthodes et techniques.

Cote anthony chambaud

Artiste peintre : Anthony Chambaud

Comment suis-je devenu artiste peintre abstrait ?

Plus jeune, la peinture abstraite ne me parlait pas du tout, j’étais même plutôt réfractaire à cette forme d’art que je n’arrivais pas à comprendre.

Puis en 2010, je tomba nez à nez avec une peinture abstraite d’un sublime rouge carmin, plein de nuances, formes et avec de subtiles touches de bleu.

C’est à ce moment là que j’ai compris qu’il se passait quelque chose de spécial en moi et depuis ce jour là, je ne lâche plus mes pinceaux !

J’ai rapidement admis que la peinture abstraite était pour moi le vecteur parfait pour assouvir mes pulsions créatrices.

Comment j’ai appris la peinture

J’ai toujours été quelqu’un de créatif et solitaire. Pour ma pratique de la peinture, j’ai donc décidé d’apprendre par la découverte et l’expérimentation. J’ai été aussi influencé par différents artistes peintres faisant des démonstrations sur Internet.

Après des débuts délicats mais très riche d’un point de vue épanouissement personnel, cette méthode d’apprentissage m’a permis de créer mon propre style résolument moderne et coloré.

Quelles sont mes sources d’inspirations

La pratique de la peinture abstraite est spécifique, il vous faut faire preuve de lâcher prise et de créativité en toutes circonstances.

Je pose systématique une réflexion en amont de la création de chaque tableau. J’y fait un choix de formes, de couleurs et définis toutes les étapes qui me permettront d’atteindre le résultat escompté.

Afin d’arriver à cela, j’adore m’inspirer de tout ce qui m’entoure, la nature est une source d’inspiration sans fin…

Mon rapport avec le public

Je suis quelqu’un de timide et ne me montre pas trop en exposition.

Mon objectif est de rendre accessible à tout le monde l’art contemporain et de supprimer l’idée reçue du prix d’un tableau abstrait à 4 ou 5 chiffres…

Je veux que tout le monde puisse avoir accès à l’acquisition d’un tableau abstrait unique, suite à un coup de cœur, sans à avoir à se ruiner !

Un artiste peintre 2.0

Je suis artiste peintre professionnel, je vis de ma passion et en utilise une autre pour pouvoir partager mon art.

En effet, je suis passionné d’informatique depuis mon plus jeune âge, j’ai été créateur de site Internet pendant 10 ans au sein de ma propre société et aujourd’hui j’utilise ces mêmes compétences pour rendre accessible mes tableaux à un large public sur la toile.

Plus de 300 tableaux vendus en 4 ans

En 4 ans, j’ai eu le plaisir de vendre plus de 300 tableaux et en ai réalisé environ 350.

Un artiste peintre polyvalent

En plus de ma pratique de la peinture abstraite, je partage ma passion via un blog de cours de peinture. Sur ce blog je traite de sujets comme la pratique de la peinture acrylique, la psychologie, la motivation, des démonstrations de peinture abstraite, je propose chaque semaine de nouveaux articles/vidéos et propose également des formations de peinture en ligne.

Artiste peintre coté

Anthony Chambaud cote : 650,00 €

Certification réalisée en collaboration avec Akoun, le leader mondial en informations sur le marché de l’art depuis 1985.

Sauf indication contraire, la cote est établie pour un format 15P (65x50cm).

Commentaires de l’expert (4 mars 2020)

Cote anthony chambaud